Commissaire Vinyl

D'Angelo, Le Zénith, 29 janvier 2012

2012-01-29T23:14:00.000-08:00

Pendant longtemps on a cru que D’Angelo avait rejoint la triste liste des génies cramés de la soul music, aux côtés de Sly Stone et Shuggie Otis, trajectoires fulgurantes brisées par les addictions ou les problèmes personnels divers. Jusqu’à la dernière minute, jusqu’aux première notes résonnant dans un Zénith bondé plongé dans l’obscurité, le retour scénique de celui qui avait suscité tous les espoirs au début des années 2000 apparaissait comme une chimère, un rêve impossible pour des fans ayant depuis longtemps perdu la foi.

Pourtant c’est bien lui qui apparait sur scène, massif, souriant, guitare à la main, prêt à projeter la salle dans une transe funk. Il paraît vite évident que D’Angelo n’a pas choisi la voie du comeback facile et lucratif en caressant dans le sens du poil un public venu chercher sa dose de néo-soul. En douze ans d’absence discographique, D. a visiblement eu le temps d’aller fouiller du côté du rock, du Funkadelic des débuts. Le groupe part dans une longue jam qui fait grincer des dents certains spectateurs. Et il faut avouer que l'on se serait volontiers passé d’un interminable solo de synthés dont même un Vangelis aviné n’aurait pas voulu dans les années 80.

Alors que l’on croit l’ambiance définitivement plombée, revoici D., seul au piano, et la magie opère de nouveau, et l’on se souvient de ce qui nous a tant plu chez le bonhomme, talent monstrueux, voix et charisme intacts.

Les nouveaux titres dévoilés se révèlent d'excellente facture, en particulier « The Charade » sonnant quasiment comme un inédit d’ « Around the world in a day ». Le rappel déconcerte dans un premier temps avec une reprise inattendue de « Space oddity » de Bowie. A peine le temps de s'interroger sur les raisons de ce choix (D’Angelo se reconnaitrait-il dans le personnage du Major Tom, égaré volontaire voguant loin des contingences terrestres ?) que déboule «Brown sugar » dans une version totalement revisitée, en forme d’énorme clin d’œil au Minneapolis Sound des années 80. Final dantesque d’un concert parfois frustrant, fréquemment génial, laissant espérer un retour durable de cet artiste passionnant qui détonne plus que jamais dans le morne paysage musical actuel.

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Incubus, Le Zénith, 17 novembre 2011

2011-11-17T15:29:00.000-08:00

Un Zénith en configuration réduite pour le retour d’Incubus à Paris après une longue absence. Le controversé nouvel album semble malheureusement avoir dissuadé une partie de leur public habituel de faire le déplacement. En première partie, Fin évolue dans un registre similaire aux têtes d’affiches, le charisme et les bonnes chansons en moins. Ces jeunes gens ont cependant la bonne idée de reprendre Suds and soda de dEUS, seul moment vaguement marquant de leur prestation.

A 21 heures Incubus démarre son concert avec les pêchus Megalomaniac et Pardon me avant d’aborder les choses qui fâchent, à savoir les titres de leur dernier opus en date qui aura fait grincer les dents de nombreux fans de la première heure. Le combo américain a certes toujours flirté avec la pop la plus mainstream mais il est tout de même douloureux de les entendre se vautrer complaisamment dans la guimauve avec les affreux Promises, promises ou If not now, when ? Sans surprise, ce sont donc les titres plus anciens qui suscitent une forte réaction du public et permettent de retrouver à son meilleur niveau un groupe toujours très impressionnant techniquement. Il y aura au final suffisamment de classiques dans la setlist pour contenter tout le monde et permettre de passer l’éponge sur les quelques fautes de goût de la soirée.

Photos et vidéos (C) GH

Elbow, Le Bataclan, 15 novembre 2011

2011-11-16T11:30:00.000-08:00

En 2009, Elbow venait promouvoir The seldom seen kid dans un Bataclan à moitié vide. Deux ans plus tard, il y a heureusement nettement plus de monde du côté du boulevard Voltaire pour cette nouvelle date parisienne, même si une bonne partie du public est toujours constituée de fans anglais ravis de voir leur groupe fétiche dans un endroit à dimension humaine, car Elbow bénéficie, rappelons-le, d'une énorme côte de popularité outre-manche.

Un succès qui s'explique sans mal par la qualité constante de leurs albums mais aussi par la chaleur humaine qui se dégage de leurs prestations scéniques, Guy Garvey aimant plaisanter avec les spectateurs et instaurer un climat détendu entre les morceaux. Ce qui n'empêche pas le groupe d'arracher des frissons sur le touchant Some riot ou sur un Neat little rows beaucoup plus puissant que sur disque. On pourra éventuellement reprocher à Elbow de s'être légèrement empâté avec l'âge, l'ajout de cordes arrondissant un peu trop les angles d'un son autrefois plus aventureux et abrasif. Leurs compositions demeurent imparables, majestueuses, et à l'instar des oiseaux dont il est question dans la chanson ouvrant leur dernier opus, Elbow plane, tout là-haut, bien au-dessus de la concurrence.

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Lana Del Rey, Le Nouveau Casino, 7 novembre 2011

2011-11-07T13:41:00.001-08:00

Setlist : Without you / Born to die / Blue jeans / Radio / Million dollar man / Video games / You can be the boss / Off to the races

En fait de concert, cette première prestation parisienne de celle qui met internet en émoi depuis cet été tenait davantage du showcase gentillet : 30 petites minutes devant un public en partie constitué d'invités du métier, une façon de préparer le terrain pour la sortie l'an prochain d'un album faisant d'ores et déjà l'objet de toutes les attentions de la part d'une industrie musicale exsangue. Pas sûr que Lana Del Rey soit la future icône pop susceptible de relancer la machine à générer les dollars : le somptueux Video games apparait comme un heureux accident de parcours à l'écoute du reste de son répertoire, entre pop eighties légère (Born to die) et soul également très light (You can be the boss), avec dans le lot quelques refrains catchy, certes, mais rien que l'on n'aie déjà entendu, en mieux, ailleurs. Au-dessus de la scène défilent des images de vieux films hollywoodiens et d'idoles américaines du passé, une tradition dans laquelle Lana Del Rey semble vouloir s'inscrire de manière un brin artificielle, tant la jeune femme semble peu sûre d'elle en live, à des années-lumières de la diva intrigante qu'elle incarne dans ses clips. Le chemin pour devenir la "gangster Nancy Sinatra", telle qu'elle aime à se définir, parait encore long ...

Photos et vidéos (C) GH

Get up, I feel like being a ...

2011-11-03T12:14:00.000-07:00

Nous sommes en 1983 et pour de nombreux jeunes français les minutes s'écoulent lentement devant le téléviseur familial pendant que défilent sur le plateau de Michel Drucker les pires ringards du showbiz français (de "véritables variétés verdâtres" aurait dit Nino Ferrer). Le supplice de l'émission destinée aux parents s'achève enfin , et la deuxième partie de soirée démarre avec les tant attendus "Enfants du rock". Au milieu de la programmation va débarquer une fois par mois un véritable OVNI : "Sex Machine" est l’œuvre des deux compères ayant déjà secoué les kiosques à journaux depuis le milieu des années 70 avec le génial "Métal Hurlant", Jean-Pierre Dionnet et Philippe Manoeuvre. Passionnés par le funk, la soul et le rap balbutiant, ils offrent enfin une tribune à ces genres musicaux totalement absents jusque là des chaines hertziennes, et font découvrir des artistes comme Prince ou Michael Jackson à un large public.

Entre deux clips ou prestations pseudo-live (le playback règne encore en roi à la télévision), on retrouve Dionnet et Manoeuvre aux prises avec Phify, intraitable videur d'une boite de nuit en forme de terre promise où l'on écoute "le nouveau tube de Marvin Gaye" entouré de jolies filles... Humour potache, érotisme très soft et musique au top de la branchitude eighties : la formule fera mouche pendant trois ans avant de s'arrêter brusquement pour des raisons pas totalement expliquées sur les bonus du DVD.

Car, oui, chose encore impensable il y a peu, "Sex Machine" débarque en triple DVD, véritable madeleine de Proust pour les quadras ayant vécu en direct cette période d'explosion du clip comme principal vecteur de promotion de la musique. Loin d'être une intégrale, ce condensé fait l'impasse sur certains passages mythiques, sans doute pour des questions de droits (l'infâme reprise de James Brown par un Bernard Lavilliers costumé façon "Purple Rain" est bien présente, hélas). Les interviews nous rappellent fort justement l'aspect précurseur d'une émission dont on retrouvera ensuite un peu l'esprit sur une certaine chaine cryptée ...

"En France on n'a pas de pétrole...

2011-11-01T10:34:00.000-07:00

... mais on a des idées".

Euh, attendez... en fait non, même pas.

Pendant ce temps Daptone records annonce un nouvel album de Sharon Jones & The Dap Kings...

dEUS, Le Trianon, 24 octobre 2011

2011-10-24T15:00:00.000-07:00

La Belgique semble être un réservoir inépuisable de groupes rock de qualité. La preuve une fois de plus ce soir avec les petits jeunes de Balthazar qui en l'espace de quelques minutes se mettent le public du Trianon dans la poche. Mélodies soignées, arrangements plus ambitieux que la moyenne et belle prestance scénique, voilà le genre de première partie que l'on aimerait voir plus souvent.Les choses se corsent avec les têtes d'affiche de la soirée, l'auteur de ces lignes ayant été catastrophé à l'écoute de leur dernier album en date, Keep you close. Il y a certes bien longtemps que dEUS n'a plus grand chose à voir avec la bande de fous géniaux ayant largement contribué à l'essor de la scène belge dans les années 90. On avait alors l'impression qu'avec eux tout pouvait toujours basculer, partir en vrille d'une seconde à l'autre. Depuis leur comeback dans les années 2000 dans un line-up recentré sur le leader Tom Barman, dEUS a gagné en concision et en efficacité ce qu'il a perdu d'aventureux, mais le groupe restait capable de sortir des albums suffisamment convaincants pour faire illusion. Las, en 2011 dEUS semble se complaire dans les chansons un peu fades, un peu niaises, et il y a donc un gouffre en concert entre ces nouveaux titres que l'on écoute avec une ennui poli et les plus anciens, Instant street demeurant un impressionnant tour de force scénique ou Magdalena prenant toujours aux tripes avec ses paroles poignantes.

L'impeccable rappel constitué de titres du tout premier album vient nous rappeler à quel point ce groupe fut grand, et laisse espérer qu'il saura désenclencher le pilote automatique pour de nouveau nous faire vibrer sur disque, comme il est encore capable de le faire sur scène.

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Brett Anderson, La Machine, 7 octobre 2011

2011-10-07T14:26:00.000-07:00

Brett Anderson a toujours été un songwriter prolifique, il suffit de jeter un œil à la pléthore de faces B et inédits présents sur les récentes rééditions des albums de Suede pour s'en convaincre. Ses productions en solo se sont enchainées à toute vitesse ces dernières années, mais l'inspiration semble marquer le pas sur son dernier opus Black rainbows, un peu décevant en comparaison des somptueux Wilderness et Slow attack. Cela se traduit également pour cette date à La Machine par une relative désaffection du public , qui avait pourtant réservé un accueil enthousiaste à la reformation de Suede l'an passé. A moins que ce ne soit tout simplement la faute d'une promotion trop discrète dans les médias musicaux. Toujours est-il que la salle parait plutôt vide quand Brett monte sur scène pour interpréter la quasi-totalité du nouvel album, déployant son énergie et sa ferveur habituelles, ce qui permet de réévaluer à la hausse des chansons un peu fades dans leurs versions studio. Déplorons tout de même la rareté de titres plus anciens dans la setlist, les interprétations de A different place ou The hunted constituant les temps forts d'un concert plaisant mais peut-être un cran en dessous de l'excellence à laquelle Brett Anderson nous avait habitué récemment.

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Primal Scream + Little Barrie, La Cigale, 6 Septembre 2011

2011-09-06T14:49:00.000-07:00

Les Little Barrie s'étaient fait discrets depuis l'excellent Stand your ground en 2007, officiant en studio pour le compte d'autres artistes (il faut bien vivre). Les revoilà sur scène en première partie de Primal Scream pour défendre leur nouvel album, l'occasion de constater que le trio anglais n'a toujours pas cédé aux sirènes de la hype et continue de délivrer un blues rock efficace aux accents discrètement rétro. Tout juste pourra-t-on déplorer que les nouveaux titres sonnent un peu moins groovy, un peu plus rugueux que leur ancien répertoire. Une agréable entrée en matière en tout cas, avant l'arrivée sur scène des têtes d'affiche de la soirée.

Primal Scream est donc là pour promouvoir la réédition Deluxe (le grand truc à la mode chez les maisons de disques actuellement) de l'album qui marqua un tournant dans leur discographie, le fameux Screamadelica publié il y a 20 ans. Phénomène en Angleterre, moins dans notre beau pays ou l'on était plus occupé à l'époque de sa sortie à placer Roch Voisine et Patrick Bruel en haut des charts (je sais, ça fait mal), Screamadelica a bénéficié récemment outre-manche d'une tournée anniversaire aux moyens conséquents (immortalisée sur un excellent DVD live) alors qu'en France il faut se contenter d'un show un brin plus modeste, mais néanmoins revigorant. Primal Scream ne se contente heureusement pas de rejouer le disque à la note près mais n'hésite pas à partir dans des digressions psychédéliques du plus bel effet, Higher than the sun s'enchainant ainsi avec une reprise hantée de Who do you love portée par un Bobby Gillespie aux allures de prédicateur allumé (mais toujours impeccable dans son costume noir).

Après cette première partie sous le signe de la transe le groupe revient toutes guitares dehors pour une salve de titres tirés de Give out but don't give up. Les lumières se rallument sur un public enthousiaste après ce flashback musical vibrant mais jamais nostalgique de la part de l'une des plus importantes formations britanniques, dont on attend désormais la suite des aventures avec une certaine curiosité.

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The Strokes, Le Zénith, 20 juillet 2011

2011-07-20T15:17:00.000-07:00

L'accueil globalement mitigé réservé à Angles n'a pas refroidi l'ardeur du public des Strokes, loin de là. Mieux, leur audience semble avoir encore rajeuni, au vu des premiers rangs en partie garnis de kids qui devaient être occupés à regarder les aventures de Dora l'exploratrice l'année de la sortie de Is this it. En première partie les Cribs délivrent un rock bas du plafond joué de façon trop brouillonne. L'inverse en somme du professionnalisme à l'américaine des Strokes, appuyés il est vrai par un son monstrueux et un lightshow conséquent.

Pour apprécier pleinement ce genre de concert il convient de laisser à l'entrée toute envie de spontanéité, d'improvisation ou de délire scénique. Formaté jusque dans les interventions parlées de Casablancas (Paris je vous aime, vous êtes les meilleurs, bla bla bla...) le show n'a pour autre but que d'enchainer tube sur tube sans aucun temps mort avec une efficacité maximale. La setlist piochant dans les quatre albums du groupe démontre par ailleurs que la discographie post-Is this it du groupe vaut bien mieux que ce qu'en disent les mauvaises langues : les Strokes ont un sacré paquet d'excellents titres en réserve et sont capables de les restituer en live de façon totalement convaincante. Certains chipoteront en sortant sur la courte durée de la prestation des New-yorkais, mais la brièveté faisant partie intégrante de leur esthétique sonore (chansons de 3 minutes, albums de 30) cela est au fond parfaitement logique, et souhaitable : c'était un concert en forme d'uppercut, guère subtil mais imparable.

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The Velvet Underground revisited, Cité de la Musique, 7 juillet 2011

2011-07-07T14:44:00.000-07:00

Quand l'excellent festival Days Off demande à Nigel Godrich, producteur le plus influent du rock indé depuis le milieu des années 90, d'organiser un concert exceptionnel en hommage au Velvet Underground, il décroche tout bêtement son téléphone et demande à quelques potes de rappliquer, des types officiant dans d'obscures formations dont vous avez peut être vaguement entendu parler : Air, Radiohead, Supergrass...

Tout ce petit monde à l'air ravi d'être là et d'interpréter l'intégralité du fameux album à la banane avec en invitées pour les titres chantés à l'origine par Nico, Feist sur un titre, et Anja alias Soap & Skin (qui assurait également la glaciale première partie), sur deux autres. La ressemblance vocale entre Anja et Nico est d'ailleurs frappante et arrache quelques frissons sur I'll be your mirror, l'un des temps forts de la soirée avec un sublime Heroin magistralement interprété par un Gaz Coombes n'essayant aucunement de singer Lou Reed mais insufflant sa fougue et personnalité aux morceaux tout en leur restant très fidèle dans l’exécution. C'est d'ailleurs ce que l'on retiendra de ce supergroupe d'un soir, un enthousiasme réel de se mettre au service du répertoire de l'une des formations les plus importantes de l'histoire du rock.

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Prince, Stade de France, 30 juin 2011

2011-07-01T02:00:00.000-07:00

Voilà, il l'a fait. Alors que certains médias se gaussaient de la "folie des grandeurs" de Prince, que Libé annonçait le matin même un Stade de France "à moitié vide", le plus gros artiste indépendant au monde aura en moins d'un mois, sans le soutien d'une major, sans énorme armada promotionnelle et sans single pourri produit par David Guetta sur les ondes, réussi à rameuter une foule considérable pour un concert certes pas sold out (peu de shows au SdF peuvent se targuer de l'être de toute façon) mais qui demeurera certainement mémorable pour tous ceux ayant fait le déplacement.
Après l'excellente première partie assurée par Sharon Jones and The Dap Kings, brièvement rejoints par Prince à la guitare, on assiste avec stupeur sur les écrans géants à un défilé improbable des clips du Minneapolis Sound des années 80 : The Time, Mazarati, André Cymone and co, tout un concentré de mauvais goût visuel eighties et de funk old school réjouissant pour les fans inconditionnels présents.
A 21 heures Prince et les NPG montent sur scène et attaquent fort avec un DMSR au son monumental. Prince dégaine vite son arme secrète : l'immense Maceo Parker dont les solos de sax seront l'un des bonheurs de la soirée. L'ensemble part dans une énorme jam funk dont l'un des moments forts sera un solo stupéfiant de Prince à la basse, reprenant notamment le riff d'America. Les hits pleuvent sur le stade comme les confettis mauves et or inondant les premiers rangs pendant une très belle version de Purple Rain. Derrière le sourire du patron on ressent malgré tout une certaine tension, peut être due à la pression et l'envie de donner la performance de sa carrière comme il l'annonçait façon méthode Coué sur le plateau de Canal Plus quelques jours avant. Au final ce ne sera pourtant pas le meilleur concert Princier à ce jour, car il manque sans doute un petit quelque chose au groupe l'accompagnant actuellement pour que l'ensemble décolle vraiment dans la stratosphère. Ne faisons pas trop la fine bouche quand même: 2 heures 45 en compagnie de l'un des meilleurs musiciens de la planète, ça ne peut décemment pas se refuser.

Kyuss Lives !, Le Bataclan, 25 Juin 2011

2011-06-25T14:55:00.000-07:00

Alors que certaines reformations de groupes tournent au ridicule en l'absence des membres originels les plus importants, se rapprochant concrètement plus du tribute band qu'autre chose, il reste des puristes ne souhaitant pas tromper le public sur la marchandise, à l'instar d'un John Garcia rebaptisant sa formation mythique en Kyuss Lives ! afin de marquer la différence avec le Kyuss originel au sein duquel officiait Josh Homme, parti depuis mener la barque QOTSA avec le succès que l'on sait.

Pourtant la crédibilité du line-up actuel, comptant en son sein deux autres légendes du stoner rock en la personne de Nick Oliveri et celle de Brant Bjork, est sans faille et, complété par l'excellent Bruno Fevery à la guitare, le quatuor assène sans temps mort 90 minutes de classiques ayant eu une influence considérable sur tant de musiciens actuels. N'ayant jamais vu Kyuss première mouture sur scène il est bien entendu vain d'effectuer une quelconque comparaison mais en l'état, impossible de nier que ces gars retrouvent de façon spectaculaire le son et l'alchimie particulière des albums. Le seul bémol de la soirée n'est pas d'ordre musical : comme souvent au Bataclan la chaleur était à la limite du supportable, poussant même John Garcia à distribuer des bouteille d'eau aux premiers rangs exsangues. Ça tombe bien, la saison des concerts en plein air a démarré.

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George Clinton & Parliament/Funkadelic, La Machine, 23 Juin 2011

2011-06-24T00:37:00.000-07:00

"I have tasted the maggots in the mind of the universe ... I was not offended ... for I knew I had to rise above it all .. or drown in my own shit."

Merci pour tout Monsieur Clinton. Les concerts de P-Funk : peut-être les derniers vrais espaces de liberté qui nous restent...Photos (C) GH

The Divine Comedy, Théâtre de la Ville, 17 Juin 2011

2011-06-18T09:18:00.000-07:00

Il y a parfois des artistes dont on apprécie le travail sans forcément prendre le temps d'aller les voir sur scène. Et puis le jour où l'on saute le pas, on se dit que l'on est bêtement passé à côté de quelque chose d'important pendant toutes ces années. C'était en tout cas mon ressenti après avoir vu pour la première fois Neil Hannon en concert solo hier soir. Si la qualité de la discographie de Divine Comedy est indéniable, c'est vraiment en live que le talent phénoménal du bonhomme vous saute au visage. Seul derrière son piano ou à la guitare, Hannon déploie des trésors de musicalité, de narration, d'humour, synthétisant à merveille tout ce que la pop anglo-saxonne à son plus haut niveau peut avoir d'exaltant.
Le concert se divisait en deux parties distinctes, la première dédiée à l'interprétation du dernier album en date Bang goes the knighthood dont la qualité du songwriting colle la honte à la majorités des petits groupes indies survendus par la presse musicale à longueur d'année (bon courage pour écouter du Wu Lyf après ça). Puis après un entracte, Neil revient interpréter divers titres extraits de son vaste répertoire, des plus touchants (Our mutual friend, beau à couper le souffle) aux plus légers, mettant fréquemment à contribution le public, en showman expérimenté.
Deux petites heures qui auront filé à toute vitesse et donné envie de revoir le sieur Hannon au plus vite, car cette fois c'est certain, on veillera à ne pas manquer ses prochains passages sur scène.

Arctic Monkeys, La Cigale, 16 Juin 2011

2011-06-16T14:44:00.000-07:00

Nous ferons court et efficace à l'instar de ce concert à l'ambiance résolument électrique : ceux qui craignaient que les Arctic Monkeys ne s'empâtent un peu à l'écoute de leur dernier opus en date se mettaient le doigt dans l’œil jusqu'au coude et la prestation façon rouleau compresseur de la formation anglaise leur a apporté le plus cinglant des démentis . Alors oui, bien sûr, on aurait aimé que cela dure un brin plus longtemps et qu'Alex Turner and co nous gratifient d'un peu plus de ces douceurs pop à la Cornerstone dont ils ont le secret, mais les Monkeys avaient visiblement envie de faire parler la poudre et après avoir retourné ainsi La Cigale nul doute que leur passage à Rock en Seine fin août face à une audience vingt fois plus nombreuse devrait se montrer assez dantesque.

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Bryan Ferry, l'Olympia, 13 juin 2011

2011-06-13T14:50:00.000-07:00

Le choix de la salle paraissait évident au vu du titre du dernier album en date de Bryan Ferry. Salle qui n'a malheureusement plus de mythique que son nom car pour le reste, comme trop souvent à l'Olympia, la qualité sonore de la soirée laissait un peu à désirer, ne rendant guère justice à la musique interprétée pendant un concert par ailleurs captivant de bout en bout. Bryan Ferry s'est une nouvelle fois entouré des excellents musiciens présents à ses côtés à la Maison de la Radio en décembre dernier, avec tout de même un ajout de taille en la personne du brillant Chris Spedding à la guitare. La setlist avait de quoi satisfaire les plus exigeants, puisqu'outre les tubes incontournables du répertoire le public eut droit à des titres extraits de The bride stripped bare, du sous-estimé Dylanesque ainsi qu'à une étonnante version de Bittersweet de Roxy Music. De quoi nous consoler que le récent For your pleasure tour de Roxy ne soit pas passé par la France. Des trois prestations scéniques dont Bryan Ferry aura gratifié le public parisien en moins d'un an c'est peut être celle où il se sera montré le plus en voix et le plus dynamique, rassurant ses fans après les rumeurs alarmantes d'il y a quelques semaines. Souhaitons désormais beaucoup de plaisir à celles et ceux qui auront la chance de le croiser pour d'autres dates françaises cet été. For your pleasure, indeed !

Grant Lee Buffalo, Cirque Royal, Bruxelles, 21 mai 2011

2011-05-22T08:44:00.000-07:00

En 1993, Fuzzy révélait un trio emmené par un songwriter extrêmement talentueux nommé Grant Lee Phillips. Avec son mélange de folk mélancolique et de rock heavy dans la lignée des albums seventies de Neil Young, Grant Lee Buffalo arrivait en fait trop tôt, bien avant que des labels comme Fargo ne remettent au goût du jour une vision assez similaire de l'américana. Sorti en pleine vague grunge, le chef d'oeuvre Mighty Joe Moon passe un peu inaperçu, et GLB tente ensuite d'évoluer avec un troisième opus moyennement convaincant. Un ultime album redresse la barre mais l’intérêt du public s'est définitivement émoussé et le groupe splitte dans l'indifférence générale en 1999. Grant Lee Philips s'embarque alors dans une carrière solo comportant quelques pépites (telles que Strangelet en 2008), jusqu'à ce jour de 2011 où l'on apprend avec stupeur la reformation de Grant Lee Buffalo pour une série de concerts ne passant pas par l’hexagone. Qu'à cela ne tienne, direction Bruxelles et son célèbre festival Les Nuits Botaniques pour voir enfin sur scène ce groupe dont on a tant usé les disques...
La belle salle à l'ancienne du Cirque Royal se remplit au compte-gouttes pendant la première partie assurée par Heidi Spencer et son folk un brin trop lisse. Au moins apprécie-t-on l'acoustique parfaite du lieu, un vrai bonheur comparé à la trop fréquente bouillie sonore que nous infligent certaines salles parisiennes. Le Cirque Royal n'affiche pas complet quand déboulent sur scène les vedettes de la soirée, mais le public de connaisseurs et de curieux fera preuve d'un bel enthousiasme tout au long de leur prestation. Il faut dire que le trio se met aisément l'assistance dans la poche grâce à un plaisir de jouer communicatif, entre Grant Lee Philips plaisantant volontiers sur leur statut de revenants des nineties , Joey Peters tout sourire derrière ses fûts, et Paul Kimble martelant les cordes de sa basse comme si sa vie en dépendait. La setlist fait la part belle aux deux premiers albums, tout en évitant soigneusement les titres de Jubilee, enregistré sans Kimble. L'inusable Fuzzy achève de mettre tout le monde d'accord, et le groupe revient pour un copieux rappel s'achevant par une version d'anthologie de Lone Star Song, laissant espérer que cette courte tournée de reformation ne restera pas sans lendemain et qu'il ne faudra pas attendre de nouveau quinze ans pour voir sur scène ce groupe remarquable et malheureusement sous-estimé.

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Elysian Fields, le Café de la Danse, 17 mai 2011

2011-05-17T14:46:00.000-07:00

Aux ambiances feutrées et mélancoliques du superbe The Afterlife sorti en 2009 succède cette année un nouvel album d'Elysian Fields plus rythmé, presque enjoué, bien que toujours hanté par les thèmes souvent sombres tenant à cœur au duo new-yorkais. Il n'est donc pas étonnant que ce concert à la setlist majoritairement constituée de ces nouveaux titres se pare de sonorités plus électriques que lors de la précédente tournée, même si comme à son habitude la musique d'Elysian Fields se moque volontiers des catégories et des étiquettes, naviguant parfois au sein du même morceau entre rock, jazz, chanson, guidée par la voix toujours renversante de Jennifer Charles et la virtuosité jamais envahissante d'Oren Bloedow. Bataillant avec une guitare acoustique défaillante, Oren raconte que Jean-Louis Murat lui avait un jour déclaré que le public aimait Elysian Fields pour leur statut d'underdogs, de groupe culte un peu obscur et désargenté. Nous nous permettrons de contredire cette affirmation en disant qu'on les aime avant tout pour la beauté vénéneuse de leur art, et en souhaitant qu'un public plus large y succombe à son tour.

Photos (C) GH

Le jeu des 7 erreurs (4)

2011-05-06T10:50:00.000-07:00

Suede (1993)

Sebastian (2011)

Tindersticks, Eglise Saint Eustache, 28 avril 2011

2011-04-30T12:40:00.000-07:00

Depuis leur première collaboration sur Nénette et Boni en 1996, il est difficile d'imaginer un film de Claire Denis qui ne soit pas bercé par la musique des Tindersticks, tant le groupe anglais semblait fait pour accompagner les images de la cinéaste, en une symbiose parfaite dont doivent rêver beaucoup de metteurs en scène ayant à l'esprit les mythiques associations Hitchcock/Herrmann, Fellini/Rota, Leone/Morricone... Les Tindersticks reviennent aujourd'hui sur cette facette de leur carrière avec la publication d'un coffret regroupant leurs bandes originales, et une série de concerts majoritairement instrumentaux. L'endroit choisi pour le concert parisien est atypique, et on est saisi en entrant d'entendre Heroin du Velvet Underground résonner dans l'enceinte de l'église Saint Eustache. Puis les lumières s'éteignent et le groupe commence à jouer pendant que défilent derrière lui les images poétiques, sensuelles, parfois dérangeantes, des films de Claire Denis. Bientôt on est happé, fasciné par le côté irréel de l'expérience; sommes-nous au cinéma, au concert, ou en train d'assister à quelque étrange cérémonie, entre sacré et profane ?
La voix grave de Stuart Staples, particulièrement mise en valeur par l'acoustique du lieu, vient nous extirper d'une douce torpeur pour des versions de Tiny tears et Trouble everyday qui collent la chair de poule.
Après 90 minutes passées comme le temps d'un rêve, on ressort de Saint Eustache un peu hébété, seulement habité par la certitude d'avoir assisté à un spectacle hors norme.

Raphael Saadiq, Le Trianon, 20 Avril 2011

2011-04-20T14:51:00.000-07:00

L'idylle entre Raphael Saadiq et le public parisien continue : après avoir écumé la moitié des salles de la capitale pour la sortie de The way I see it en 2008, le voilà qui revient pour deux dates dans un Trianon plein à craquer afin de promouvoir son petit dernier Stone Rollin'. Un album creusant le même sillon soul à l'ancienne mais doté également de titres plus incisifs teintés de rock et de blues, qui se révèlent assez jouissifs en live. Même s'il avance en terrain conquis l'homme que l'on surnomme Ray Ray ne se repose pas sur ses lauriers et mouille le maillot, aidé par un groupe de musiciens pas franchement manchots et des choristes aussi impressionnants vocalement que leur patron.
Avant de quitter la scène Raphael Saadiq s'empare d'un marqueur et passe de longues minutes à signer les albums et places de concerts que lui tendent les premiers rangs ; la classe américaine pour un garçon talentueux qui n'a clairement pas volé son succès.

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The Kills, Le Bataclan, 6 avril 2011

2011-04-06T14:46:00.001-07:00

Des adjectifs tels que "moite" et "torride" reviennent souvent pour qualifier la musique de The Kills, mais ils s'appliquent particulièrement bien à cette date dans l'une des salles les moins bien ventilées de la capitale. Ajoutez à cela une foule compacte et chauffée à blanc, une longue attente à peine distraite par une première partie laborieuse, et vous comprendrez pourquoi l'endroit devient une véritable étuve dès le teigneux "No wow" joué en introduction d'un set hélas trop court.

Allison Mosshart va fréquemment se coller la tête près d'un ventilo histoire de se rafraichir les idées pendant que Jamie Hince dégouline de sueur mais reste stoïque et concentré dans son costard noir. Les nouveaux titres confirment tout leur potentiel en live, en particulier "Future starts slow" et son riff de guitare tellement évident que l'on se demande pourquoi personne n'y avait pensé avant. De la classe et de l'efficacité malgré une formule musicale potentiellement limitée, voilà comment on pourrait résumer un duo toujours droit dans ses bottes malgré la hype, les journeaux people et autres pubs branchouilles.

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Get well soon Mister Ferry !

2011-04-06T14:44:00.001-07:00

The Boxer Rebellion, Le Nouveau Casino, 25 mars 2011

2011-03-25T15:59:00.000-07:00

Voici un groupe qui à lui seul illustre bien la situation de l'industrie musicale en 2011. Avec ses chansons en formes d'hymnes taillés pour les stades, The Boxer Rebellion aurait pu acquérir rapidement une forte popularité avec le soutien d'une major, à l'époque où celles-ci n'étaient pas encore moribondes. Au lieu de ça, leur premier album sort en 2005 dans l'indifférence générale au moment où leur maison de disques met la clé sous la porte et c'est depuis en totale indépendance que cette formation américano-australo-anglaise tente de capter l'attention du public, bénéficiant dans un premier temps d'un énorme coup de pouce d'Itunes mettant en avant leur deuxième opus Union - une attention dont ne peuvent pas vraiment se targuer la plupart des artistes goutant les joies de l'autoproduction. Pas assez hype pour les branchés de la blogosphère, ils ont patiemment réussi à se constituer une fanbase conséquente dans les pays anglo-saxons, mais on est encore loin du conte de fée 2.0, et leur premier concert parisien il y a deux ans se tenait dans un Point Éphémère clairsemé. Aujourd'hui on les retrouve en tête d'affiche dans un Nouveau Casino sold-out, le public français semblant enfin accrocher à leur musique même si avant de les voir remplir Bercy il faudra sans doute attendre encore un peu....
L'occasion en tout cas de constater qu'en l'espace de deux ans ces messieurs ont gagné en aisance scénique. Le dernier album en date, The Cold Still, fait (un peu trop) la part belle aux ballades atmosphériques, mais sur scène le dosage entre titres lents et rock nerveux se montre parfait. A vrai dire ce concert plus que convaincant conforte dans l'idée que The Boxer Rebellion a réellement l'étoffe d'un grand groupe, capable de ratisser large, des amateurs de rock indé au grand public fan de Muse ou Coldplay (désolé pour les gros mots...). Déjà dotés d'un répertoire en or massif, il ne leur manque peut être qu'un peu d'attention des médias pour décoller pour de bon.

Photos (C) GH

Cake, La Cigale, 19 mars 2011

2011-03-20T06:39:00.000-07:00

Depuis un an ou deux tous les groupes ayant connu leur heure de gloire durant les années 90 semblent s'être donné le mot pour effectuer leur comeback; on ne s'étonnera donc pas qu'après une longue période en stand-by Cake fasse un détour par Paris pour promouvoir un nouvel album assez moyen. La fidélité de leur public semble intacte en tout cas, les places s'étant vendues comme des petits pains des mois avant la date fatidique, et c'est face à un auditoire enthousiaste que les américains font leur entrée sur scène après une interminable intro au synthé cheap façon générique de série télé eighties, rappelant s'il en était besoin que leur sens de l'humour tordu à beaucoup fait pour leur popularité. En live en tout cas les Cake ne sont pas là que pour amuser la galerie et interprètent classiques et nouveaux titres avec une efficacité imparable même si tout cela manque au final un peu de spontanéité; ce sont donc les tirades ironiques et parfois un brin longuettes de leur chanteur qui se chargent d'ajouter une touche de délire dans un set un peu court auquel on reprochera l'absence de certains titres emblématiques, même s'il est toujours jouissif de les entendre bousculer les genres musicaux et passer en quelques instants d'une reprise de Gloria Gaynor à celle du War Pigs de Black Sabbath.

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Peter Hook, Le Trabendo, 10 mars 2011

2011-03-11T10:56:00.000-08:00

Le genre de concert auquel on se rend avec autant de curiosité que d'appréhension. Curiosité de voir sur scène une légende de la musique populaire britannique (je ne vous ferai pas l'affront de rappeler les noms des deux groupes dont il fut l'éminent bassiste). Appréhension au vu du programme annonçant que Hooky et son groupe allaient interpréter l'intégralité d'Unknown pleasures, laissant craindre un spectacle un peu pathétique façon tribute band pour corbeaux toujours inconsolables du décès de Ian C. Pendant qu'une foule de nostalgiques se presse dans un Trabendo sold out, les français de Frustration assurent une première partie tranchante comme une lame de rasoir. L'interlude qui suit est meublé de vieux hymnes punks diffusés sur la sono, accentuant le côté machine à remonter le temps de la soirée.
Le célèbre Mancunien fait enfin son entrée sur scène accompagné de jeunes musiciens qui pourraient être ses fils (et d'ailleurs c'est le cas pour l'un d'entre eux). Bonne surprise en l'entendant endosser ce soir le rôle de chanteur, Peter Hook est convaincant vocalement et arrive parfois même à transmettre un réelle émotion en se réappropriant ces chansons (les paroles d'Insight prennent une résonance étrange : "but I remember when we were young..."). Certes le groupe manque parfois de subtilité, et au final ce sont peut être les titres nerveux tirés de An Ideal for living qui se montrent les plus convaincants.
L'inévitable Love will tear us apart clôt un concert qui aura visiblement divisé le public, entre pogoteurs enthousiastes et spectateurs impassibles. L'auteur de ces lignes sort de la salle soulagé après une prestation globalement réussie qui n'aura entaché ni la réputation ni le capital sympathie dont bénéficie ce musicien attachant au parcours résolument hors norme.

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Charles Bradley, Lee Fields & The Expressions, La Maroquinerie 17 février 2011

2011-02-19T03:29:00.001-08:00

No time for dreaming est la dernière pépite du label soul Daptone, le premier album d'un jeune homme de 62 ans nommé Charles Bradley. Comment un talent aussi phénoménal a-t-il pu passer sous les radars pendant si longtemps demeure un mystère; en tout cas si le disque est excellent c'est sur scène que l'on se prend un véritable uppercut dès que Mr. Bradley se met à chanter, sa voix évoquant le James Brown des grands jours et ses textes sur les coups durs d'une vie que l'on devine tourmentée se montrant extrêmement touchants. Derrière lui, les brillants musiciens de Menahan St. Band / The Expressions envoient un groove imparable, et Charles Bradley cède bientôt sa place au charmeur Lee Fields pour le reste du concert, laissant une large place aux titres de l'album My World sorti l'an passé. Là encore, de la soul quatre étoiles aux effluves rétro mais ne tombant jamais dans un passéisme stérile, jouée pied au plancher par un groupe dont le plaisir d'accompagner ces deux remarquables interprètes se montre communicatif. Jubilation sur scène et dans le public donc, pour ce qui devrait d'ores et déjà rester comme l'un des très beaux souvenirs de concert de cette année.Photos (C) GH

Wire, Le Point Ephémère, 12 février 2011

2011-02-13T11:38:00.001-08:00

35 ans après leur apparition sur la scène musicale anglaise, Wire viennent de sortir un album remarquable avec Red Barked Tree. Une constance dans la qualité qui force le respect, d'autant qu'en live Wire n'est pas une sorte de relique de l'ère post-punk que l'on viendrait visiter comme au musée, mais un groupe on ne peut plus vivant toujours susceptible de balancer un impressionnant mur du son à faire pâlir bien des formations récentes se réclamant plus ou moins ouvertement de leur héritage.
Cerise sur le gâteau: une première partie fiévreusement assurée par l'excellent duo belge Madensuyu.

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Anna Calvi, Le Nouveau Casino, 8 février 2011

2011-02-08T13:39:00.000-08:00

La Boule Noire en novembre, le Nouveau Casino en Février, le Trianon en avril : Anna Calvi captive un public de plus en plus nombreux, appuyée par un déploiement marketing conséquent, complaisamment relayé par une presse musicale qui s'est ruée sur le premier album de l'anglaise comme une bande de morts de faim sur l'ultime jambon-beurre dans la vitrine de la boulangerie. A croire qu'il n'y a pas eu d'autre disque potable dans les bacs en ce début d'année (vérification... ah hé bien oui c'est un peu le cas, tout s'explique).

Le risque c'est bien entendu de voir Anna Calvi rattrapée par le tristement célèbre syndrome MGMT (précédemment connu sous le nom de complexe du Klaxon), à savoir un emballement généralisé fabriqué de toutes pièces autour d'un album que tout le monde aura oublié six mois plus tard. Heureusement sur scène Anna Calvi remet les pendules à l'heure et fait oublier les ridicules comparaisons avec des artistes mythiques dont on l'affuble à l'insu de son plein gré. Nous avons bien affaire à une musicienne douée développant un univers et un son très personnels, au répertoire évidemment encore limité - d'où un concert court, un peu frustrant, mais regorgeant de passages impressionnants, inspirés.
Anna Calvi aura-t-elle seulement le temps de véritablement construire une œuvre plus conséquente, dont on pourra juger l'apport plus sereinement dans quelques années, enfin débarrassé de toute hype colorant en bien ou en mal l'écoute de sa musique ? En ces temps où l'industrie du disque semble plus que jamais viser le jetable et la rentabilité immédiate, rien n'est moins sûr. Croisons les doigts, allumons un cierge, appuyons de nouveau sur la touche play du lecteur... hey mais dites donc, c'est vrai qu'il est pas mal, cet album, en fait...

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Martina Topley-Bird, Café de la Danse, 14 décembre 2010

2010-12-15T11:00:00.000-08:00

Sur son dernier album en date Some place simple, Martina Topley-Bird tente de recréer l'ambiance intimiste de ses concerts en interprétant sans artifices sonores les titres découverts sur ses deux (excellents) premiers disques. Le résultat a beau être réussi, il faut absolument la voir sur scène en chair et en os, flanquée de son fameux comparse multi-instrumentiste déguisé en ninja, pour saisir toute la beauté et la magie qui se dégage de sa musique.

Sur la scène d'un Café de la Danse plein à craquer, Martina semble, dans un premier temps, un peu moins à l'aise qu'à l'accoutumée ; peut être à cause de problèmes de sons récurrents, ou de la présence de plusieurs caméras en vue d’une captation vidéo. Fort heureusement on retrouve par la suite la Martina des grands jours, avec un registre allant de la comptine douce-amère au rock le plus décapant (terrible version de «Black Steel »); et en guise de cerise sur le gâteau, le naturel désarmant avec lequel elle s'adresse au public dans un français quasi-parfait.

En écoutant ses bluffantes reprises des Stranglers (Golden Brown) et de Kate Bush (Army dreamers) on se dit que Martina Topley-Bird s'inscrit désormais dans la lignée des grands noms de la pop anglaise, avec un univers qui par sa singularité et sa richesse n'a plus rien à envier aux groupes avec lesquels elle a pu collaborer par le passé.

Martina et Ninja concluent leur set sur une note festive avec un lâcher de ballons dans la salle qui occasionnera une joyeuse pagaille; une façon agréable de terminer une année riche en concerts d'exception pour l'auteur de ces lignes. Rendez-vous en 2011 !

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Janelle Monáe, La Cigale, 9 décembre 2010

2010-12-09T14:25:00.000-08:00

"Ce n'est pas la crainte de la folie qui nous forcera à laisser en berne le drapeau de l'imagination" (André Breton)

Special thanks to Tony

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Bryan Ferry, Studio 105, Maison de la Radio, 2 décembre 2010

2010-12-02T14:13:00.000-08:00

C'est le troisième rendez-vous parisien avec Bryan Ferry cette année, après le concert de Roxy Music à Rock en Seine au mois d'août, et la rencontre organisée pour la sortie de son nouvel album Olympia. Un album qu'il continue donc de promouvoir par le biais d'un concert exceptionnel retransmis sur France Inter. Direction la Maison de la Radio et le confortable Studio 105, où nous voyons à 20 heures précises débarquer un groupe de quatre choristes et sept musiciens dont une partie faisait déjà partie du line-up de Roxy Music cet été. Puis Sir Ferry arrive tout sourire, dans un costume impeccable, comme à son habitude.
C'est parti pour une heure mêlant savamment nouveaux titres et classiques en or massif. On sent Ferry très concentré sur les extraits d'Olympia, notamment un émouvant Tender is the night. Le groupe quant à lui donne l'impression de particulièrement s'amuser en interprétant les titres de Roxy, à tel point qu'Andy Newmark en perd ses baguettes sur Love is the drug. L'un des rares accrocs d'un concert par ailleurs parfaitement maitrisé (en pinaillant un peu, l'interprétation de Jealous guy était un peu limite sur la fin, comme à Rock en Seine...). Son impeccable, lieu intimiste, Bryan Ferry avait visiblement décidé de jouer les pères noël avec quelques semaines d'avance pour les fans chanceux présents ce soir.

Suede, L'Elysée Montmartre, 28 novembre 2010

2010-11-28T14:22:00.000-08:00

Après des débuts hésitants la carrière solo de Brett Anderson semblait avoir atteint sa vitesse de croisière avec d'excellents albums sortant à une fréquence soutenue, accompagnés de concerts remarquables (notamment un moment de pure magie à la Maroquinerie, il y a deux ans...). Ce fut donc avec un certain étonnement que l'on accueillit l'annonce de la reformation de Suede en 2010, d'abord pour une poignée de concerts caritatifs puis pour une tournée en bonne et due forme. Brett avait-il cédé à l'appel du compte en banque ? A la pression des fans du groupe, toujours nombreux en Angleterre et dans d'autres contrées plus lointaines, jusqu'en Asie ?
Ou s'agissait-il simplement d'une réelle envie de renouer avec la formation lui ayant apporté le succès dans les années 90 ? L'ennui c'est qu'en sortant du concert de Suede à l'Elysée Montmartre, on s'interroge toujours un peu sur les motivations de la chose ...

D'un côté il y a bien sûr le plaisir d'entendre en live les nombreux tubes du groupe (pour ne pas dire les hymnes) repris avec ferveur par un public nostalgique des grandes heures de la Britpop, même si l'on déplorera une setlist sans réelles surprises faisant l'impasse sur nombre de perles moins connues. Alors que Brett Anderson semblait vouloir s'affranchir ces dernières années de l'image de rockstar qui lui collait à la peau, il y replonge aujourd'hui de plus belle, assumant sans retenue son rôle de frontman charismatique et survolté.
Deux points noirs viendront toutefois légèrement ternir les retrouvailles: un son par moment brouillon, voire franchement médiocre; ainsi que le manque d'implication de Neil Codling arborant un air hagard pendant l'intégralité du set, contrastant étonnamment avec le reste du groupe.
Reste qu'à la vue des mines réjouies dans la salle à la fin du (trop court) concert, Suede semble avoir gagné son pari de reconquérir un public répondant toujours présent à l'appel du glam à l'anglaise. Attendons maintenant de voir s'ils sauront proposer autre chose que le best of opportunément sorti dans les bacs il y a quelques semaines, ou s'ils rejoindront la longue liste des formations se retrouvant par intermittence le temps de quelques concerts lucratifs et dénués de toute nouveauté. Une chose est sure, Brett Anderson n'a plus besoin de Suede pour exister en tant qu'artiste, il faut donc espérer qu'il continuera en parallèle de mener sa barque en solo avec la liberté d'inspiration l'ayant caractérisé ces dernières années.

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Gorillaz, Le Zénith, 23 novembre 2010

2010-11-24T11:59:00.001-08:00

Il y a une ironie un brin cruelle à voir Mick Jones arpenter la scène du Zénith guitare à la main, musicien quasi anonyme au milieu de l'armada déployée par Damon Albarn pour la tournée de son supergroupe de pop cartoonesque. Après The Clash, Jones avait essayé au milieu des années 80 de mettre sur pied avec Big Audio Dynamite une formation brassant influences punk rock, hip hop, reggae et électro. Un concept audacieux pour l'époque qui ne s'était pas révélé très probant, artistiquement et commercialement parlant. 20 ans plus tard c'est Damon Albarn en pause de Blur qui décroche la timbale avec ses Gorillaz et leurs albums emballés comme des superproductions cinématographiques. A en juger par le public s'entassant dans une salle pleine à craquer (des beaufs, des branchés, des beaufs branchés, des enfants, leurs parents, des nostalgiques de la britpop, des nostalgiques du rap old school, etc etc...), le vieux fantasme du groupe ultime capable de fédérer toutes les chapelles musicales ne semble pas loin de se concrétiser.

Et le concert dans tout ça ? Hé bien Gorillaz en live c'est un peu comme l'un des ces blockbusters hollywoodiens impressionnant grâce à une débauche de moyens et un casting trois étoiles. On passe deux heures à prendre du bon temps sans arrière pensée, et on en sort satisfait en se disant qu'on en a eu pour son argent. Par contre une fois dans le métro, sur le chemin du retour vers son home sweet home, il est probable que l'on pense déjà à autre chose...

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Goldfrapp, Le Trianon, 22 novembre 2010

2010-11-22T15:33:00.000-08:00

La superbe salle du Trianon rouvre ses portes et ce sont Alison Goldfrapp et ses sbires qui essuient les plâtres avec un énorme show électro-glam. Mais auparavant le jeune Wagner assure une première partie très honorable, arrivant à séduire l’audience malgré une sobre configuration laptop ne se prêtant guère aux démonstrations spectaculaires.

De sobriété en revanche il ne sera guère question lors des 90 minutes assurées pied au plancher par la tête d’affiche de la soirée. Exit les ambiances éthérées de la période Seventh Tree, Goldfrapp assume de nouveau pleinement son statut de machine à danser et enchaine sans faiblir les tubes, appuyé par un son colossal. On a souvent reproché aux concerts de Goldfrapp une certaine froideur, un aspect visuel un peu cheap, et une tendance à reproduire leurs albums à la note près. Si ce dernier point est toujours d’actualité, Alison parait ce soir transfigurée par la réaction plus qu’enthousiaste du public, et le lightshow efficace achève de rendre l’expérience particulièrement réjouissante. Le dernier album avait été fraîchement accueilli lors de sa sortie, mais il faut admettre que Rocket ou Believer se révèlent assez imparables sur scène. La tension retombe un peu le temps d’une poignée de ballades (superbe Black cherry) mais la mélancolie n’a définitivement pas droit de cité sur cette tournée et le groupe repart pour une ultime salve de titres frénétiques. Cette fois Goldfrapp semble enfin avoir trouvé la formule magique susceptible de rendre ses prestations scéniques mémorables.

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The lives of Charles Douglas

2010-11-19T13:14:00.000-08:00

C'est l'histoire d'un jeune fan du Velvet Underground un peu borderline mentalement qui entretient une correspondance avec la légendaire Moe Tucker et la convainc de produire son premier album. L'objet est publié en 1997 dans l'indifférence générale et après quelques autres albums tout aussi confidentiels le dénommé Charles Douglas entame une carrière de romancier. 13 ans plus tard, The lives of Charles Douglas sort de l'oubli grâce à l'opiniâtreté du label Broken Horse Records et les amateurs de rock lo-fi découvrent avec stupéfaction ce qui a en tout point l'apparence d'un petit classique. Dès l'ébouriffant Summertime il est évident que l'on tient là quelque chose de spécial, Douglas faisant preuve d'un énorme talent de mélodiste derrière ses airs de slacker désabusé ayant trop écouté Lou Reed en ingérant des substances douteuses. Ce n'est ni le premier ni le dernier album déroulant ainsi des tranches de vie de loser fâché avec la société sur fond d'indie rock minimaliste, mais la sincérité qui s'en dégage va droit au cœur et son refus des modes en vigueur au moment de son enregistrement joue aujourd'hui en sa faveur, lui conférant un côté assez intemporel. Il y a parfois une justice en ce bas monde et s'il n'a pas trouvé sa place dans les bacs des disquaires à la fin des années 90 (quand ce genre de choses existaient encore), The lives of Charles Douglas devrait sans doute toucher un auditoire beaucoup plus large en 2010. C'est tout le mal qu'on lui souhaite.

http://www.brokenhorse.co.uk/

Dans les archives photographiques du Commissaire (2)

2010-11-14T11:20:00.000-08:00

Nine Inch Nails, Le Zénith, Juin 2009

Tindersticks, Le Bataclan, Mai 2010

Them Crooked Vultures, Le Zénith, Mai 2010

Beach House, Midlake, La Cigale, 4 novembre 2010

2010-11-05T05:43:00.000-07:00

Une programmation de grande qualité pour cette soirée dans le cadre du Festival des Inrocks. Les hostilités démarrent avant même l'entrée dans la salle, The Acorn jouant en acoustique pour le public faisant la queue devant La Cigale. On retrouve les canadiens sur scène quelques instants plus tard pour un set énergique et charmeur. Public sous le charme également pour la courte prestation de John Grant, même si l'auteur de ces lignes avoue ne pas avoir été totalement convaincu par les chansons de l'ancien chanteur des Czars.

Beach House a livré l'un des grands disques de cette année avec Teen dream, mais il n'était pas évident que la beauté fragile de leur musique passe aisément le cap du live. La dimension intimiste des morceaux est ici mise de côté au profit d'un son énorme, impressionnant. Planquée derrière ses synthés et sa mêche rebelle, Veronica Legrand n'en demeure pas moins charismatique et captivante. Grand concert.

Difficile d'enchainer ensuite avec le folk rock un peu sage des très attendus Midlake. Les titres

sont interprétés de façon parfaite, trop parfaite peut être. Fort heureusement le groupe finit peu à peu par lâcher la bride, donnant libre cours à ses penchants plus nerveux. Fin en apothéose et poignante version de Branches en rappel, belle conclusion d'une soirée frôlant le sans-faute.

Bryan Ferry, Fnac St Lazare, 30 octobre 2010

2010-10-30T14:06:00.000-07:00

Un temps annoncé comme un nouvel opus de Roxy Music, Olympia de Bryan Ferry est dans les bacs depuis quelques jours, son premier disque depuis huit ans à ne pas être composé exclusivement de reprises. Des premières notes évoquant Avalon jusqu'à l'esthétique de la pochette, tout semble ici réuni pour rappeler l'œuvre de Roxy davantage que celle de Ferry en solo, d'où peut être les réactions pour le moins mitigées de nombreux fans qui auraient sans doute préféré une reformation en bonne et due forme à la place de cet album pourtant assez réussi, malgré une poignée de titres plus faibles (mais quel disque n'en a pas de nos jours ?), avec comme toujours un soin particulier apporté à la production, Olympia délivrant toutes ses subtilités en format CD plutôt qu'en fichiers compressés récupérés à la va-vite sur son ordinateur.

C'est d'ailleurs dans un magasin "à l'ancienne" que Bryan Ferry venait présenter son nouveau bébé le temps d'une interview suivie d'une séance de dédicace, pour le plus grand plaisir des fans ayant fait le déplacement. Nous n'apprendrons rien de bien nouveau lors de la séance de questions / réponses même si Ferry s'exprime toujours de façon intéressante et amusante sur son parcours et son travail. On notera tout de même un certain embarras quand il lui fut demandé si Roxy Music reviendrait se produire en France dans la foulée du concert à Rock en Seine cet été; visiblement après la tournée planifiée en Angleterre et en Australie début 2011 l'avenir de la formation s'annonce incertain. Il faudra donc sans doute se "contenter" de concerts solos... et ceci très prochainement. On retiendra également l'évocation assez drôle de la participation quelque peu surréaliste du Dandy anglais à une série télévisée franchouillarde au début des années 80 (avec Pierre Mondy !). Moins anecdotique, cette phrase de Ferry au sujet de la disparition des disquaires, de l'évolution du monde de la musique, et la certitude d'avoir été là au bon moment, lors d'un époque désormais révolue.

Un parfum de nostalgie indissociable de son œuvre, et l'impression en retrouvant l'agitation des rues avoisinantes que ce grand monsieur doit parfois se sentir bien seul en écoutant les groupes actuels. Qui pour succéder à Bryan Ferry en 2010 ? Personne, et c'est un peu dommage.

Robert Plant & Band of Joy, Palais des Sports, 24 octobre 2010

2010-10-25T02:14:00.000-07:00

Frustrant. Voilà le terme qui résume le mieux ce court concert, certes ni mauvais ni déshonorant de la part d'une icône du rock que l'on aura tout de même connu plus inspirée. Bien sûr il y a longtemps que Robert Plant a tourné le dos à la facilité, refusant la reformation tant attendue d'un groupe mythique et la montagne de dollars allant avec, préférant se consacrer en toute quiétude à des projets assez éloignés de la furie sonique des seventies. Cela lui a plutôt réussi ces dernières années, avec une poignée de disques remarquables ("Mighty rearranger" se classe sans problème parmi les meilleurs enregistrements de sa carrière), couronnés par un réel succès critique et public.

Avec Band of Joy, Plant a visiblement souhaité se mettre un peu en retrait, retrouver le plaisir de jouer au sein d'un collectif dont il ne serait qu'un membre presque ordinaire, vaine chimère de la part de celui qui fut le chanteur de l'une des formation les plus populaires de tous les temps. Il faut d'ailleurs attendre que Band of Joy revisite un titre de Led Zeppelin pour que le public sorte d'une réserve polie, sous l'œil amusé de Plant ("Où étiez-vous pendant les premières chansons ?"). La volonté de mettre en avant les musiciens de son groupe est sans doute louable mais on frôle de peu l'ennui quand ils se mettent à occuper à tour de rôle le devant de la scène, leur leader relégué au rang de choriste de luxe.
Ceux qui avaient fait le déplacement dans l'espoir de grappiller quelques miettes de la légende zepellinienne auront leur os à ronger avec "Houses of the holy" ou "Rock and roll" interprétés de façon assez peu... rock and roll, par un groupe plaisant mais ne débordant pas franchement d'énergie.

Une énergie en revanche bien présente durant la première partie brillamment assurée par Justin Adams et Juldeh Camara, dont le mélange de musique africaine et de blues-rock représente une belle continuation de ce que Robert Plant avait entrepris jadis avec son compère Jimmy Page...

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Le jeu des 7 erreurs (3)

2010-09-26T11:08:00.000-07:00

1972 :

2008 :

Dans les archives photographiques du Commissaire...

2010-09-26T10:51:00.001-07:00

Neil Young, Le Zénith, Juin 2009

BRMC, Le Bataclan, Mai 2010

Stevie Wonder & Prince, Bercy, Juillet 2010

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The Social Network

2010-09-20T10:43:00.000-07:00

Depuis l'album Ghosts I-IV de Nine Inch Nails, Trent Reznor distribue ses projets musicaux selon le même modèle économique : plusieurs titres disponibles en téléchargement gratuit pour les curieux ou les indécis, l'album complet commandable sur divers supports physiques pour les fans, dans des versions allant de la plus abordable à la plus luxueuse selon les envies et moyens des acheteurs potentiels. Cette fois c'est pour la bande originale de The Social Network composée avec Atticus Ross (lui même auteur du remarquable score de The book of Eli il y a quelques mois) que Reznor réitère l'expérience.
The Social Network, dans le cas bien improbable ou vous n'en auriez pas déjà entendu parler, est le nouveau film de David Fincher (qui utilisait déjà la musique de Nine Inch Nails dans le générique de Seven), et devrait être l'un des évènements cinématographiques de l'automne. Les 5 titres de la BO proposés en téléchargement ne créent pas vraiment la surprise et sont dans la lignée des instrumentaux ambient figurant fréquemment sur les albums de NiN. Il faudra attendre octobre pour voir si Fincher a fait le bon choix pour accompagner les images de son film (même si on a déjà une petite idée sur la question...).
En attendant, à l'heure ou certains pontes de l'industrie du disque se demandent encore comment ils vont pouvoir continuer à grapiller de l'argent dans un secteur agonisant, on ne peut que se réjouir de voir certains musiciens comme Trent Reznor réussir à mener leur carrière de façon indépendante et réaliste en laissant à leur public un réel choix dans la façon de "consommer" leur musique. Un exemple dont les majors auraient dû s'inspirer depuis longtemps mais cela restera, hélas, un vœu pieux.

Fever Ray, L'Olympia, 9 Septembre 2010

2010-09-10T01:38:00.000-07:00

Si l’album solo de la chanteuse de The Knife a fait l’unanimité, sa prestation à l’Olympia serait en revanche plutôt du genre à diviser. Selon votre réceptivité ou humeur du moment, il est possible d’en ressortir fasciné, ou au contraire d’avoir eu l’impression d’écouter l’album dans sa chambre avec le son à fond, les fenêtres fermées et un paquet complet d’encens en train se calciner depuis des heures.
C’est en effet derrière un épais rideau de fumée que Fever Ray fait son apparition sur scène, avançant masquée tout comme ses musiciens au look mi-Fantomas, mi-figurants dans un clip de DJ Bobo. Entre deux lasers on distingue vaguement tout ce petit monde qui s’agite sans au final être sûr d’assister à un réel concert ou une simple pantomime.

L’album live de The Knife s’intitulait An audiovisual experience, Fever Ray tente plutôt d’embarquer son public dans une expérience sensorielle, un peu frustrante il faut bien l’admettre, même si elle a le mérite de se distinguer du tout-venant. Mais son univers se révèle difficile à transposer sur scène ; les sublimes clips de If I had a heart ou When I grow up avaient placé il est vrai la barre très haut et demeurent pour l’instant les meilleures illustrations possibles de sa musique.

Photos (enfumées) (C) GH

Skunk Anansie, Le Nouveau Casino, 8 Septembre 2010

2010-09-08T14:44:00.000-07:00

Certaines personnes se découvrent dès l'enfance une vocation d'astronaute, de vétérinaire ou de pilote de formule 1. D'autres, assez rares à vrai dire, sont prédestinées à monter sur scène et incendier les planches de leur charisme ravageur. On ne saura jamais quelles fées se sont penchées sur le berceau de la petite Deborah Dyer mais celle-ci, plus connue sous le pseudonyme de Skin, aurait pu difficilement exercer un autre métier que celui de rockstar à plein temps.
Look marquant, voix superbe, présence scénique impressionnante, la belle Skin était la chanteuse rêvée pour une formation telle que Skunk Anansie, et le quatuor anglais connut un succès fulgurant au milieu des années 90 avant de splitter à la fin de la même décennie. Suivirent deux albums solo de Skin sortis dans un relatif anonymat.

C'est donc sans surprise que l'on assistât l'an dernier à une reformation de Skunk Anansie, comme d'autres formations surfant sur un début de revival nineties (Alice in Chains, Soundgarden, Pavement...). Le groupe sort ses jours-ci un nouvel album, Wonderlustre, qui ne convaincra pas les habituels réfractaires à leur son : la formule n'a pas changé d'un iota, mélange de ballades mélancoliques et de guitares furieuses. Il faut bien admettre que les nouveaux titres ne sont pas réellement excitants, mais s'il est un domaine où Skunk Anansie demeure intouchable, c'est bien celui du live.

Qu'il joue devant 30000 personnes à Rock en Seine ou 300 au Nouveau Casino deux semaines plus tard, le combo fait preuve de la même détermination à en mettre plein la vue au public présent. Une générosité qui fait plaisir à voir et rend par comparaison bien pâles les concerts de la concurrence. Il n'y a pas de secret, on nait rockstar ou on ne l'est pas !

Photos (C) GH

Roxy Music, Rock en Seine, 29 août 2010

2010-08-30T12:35:00.000-07:00

"Le groupe anglais le plus influent après les Beatles": le journaliste Tim De Lisle décrivait ainsi Roxy Music dans le documentaire More than this publié il y a quelques mois en DVD. Dans ce même documentaire on pouvait voir des personnalités aussi diverses que Steve Jones (des Sex Pistols), Nile Rodgers (de Chic) ou Nick Rhodes (de Duran Duran) confier avoir été influencés par Roxy. Quelle autre formation peut ainsi se targuer d'avoir eu des enfants illégitimes dans des genres aussi différents que le punk, le disco, ou la pop pour midinettes ?

Pourtant au final un large public n'aura retenu de Roxy qu'Avalon, ultime album pas forcément représentatif d'une discographie variée, de l'expérimentation débridée des débuts (souvent attribuée à la présence de Brian Eno sur les deux premiers albums, même si l'intéressé déclare préférer le 3ème opus, enregistré après son départ du groupe !) à la pop racée teintée de dance de la fin des seventies, dont la qualité de songwriting et de production met toujours une claque à la majorité des groupes étiquetés "révélation de l'année" dont nous abreuvent les médias musicaux.

Reformé en 2001 pour une tournée triomphale qui aura soigneusement évité l'hexagone, Roxy Music retrouvait enfin en ce mois d'août le pays ou fut enregistré le live The High Road, 30 ans plus tôt. Sans rien de nouveau à vendre (la chimère que représente un éventuel nouvel album studio s'est muée en album solo de Bryan Ferry, Olympia, à paraitre en octobre), il était à craindre que l'affaire ne se résume qu'à une lucrative prestation capitalisant sur la nostalgie des fans. Il n'en fut rien et malgré l'absence du batteur original Paul Thompson, pour raisons de santé dixit le site officiel, Roxy recentré autour du trio Ferry / Manzanera / MacKay accompagnés de musiciens additionnels, sut revisiter les perles de son répertoire avec une énergie communicative, malgré une baisse de régime due à l'enchainement de plusieurs titres lents (mais somptueux), avant de repartir de plus belle avec une version furieuse de Editions of you ou un Love is the drug irrésistible.

Et si Bryan Ferry ne rechigne pas à employer quelques choristes pour booster les parties vocales, il n'y a pas pour autant tromperie sur la marchandise ; les années passent, Roxy vieillit, certes, mais avec classe, sans tenter de lifting sonore malencontreux, et en conservant intacte cette étincelle de rêve qui rendait leur musique fascinante au début des années 70 et détonne toujours dans la grisaille de 2010. Ce doit être cela que l'on appelait le Glam...

Photos (C) GH

George Clinton & Parliament / Funkadelic, Glaz'art Plage, 4 août 2010

2010-08-05T11:24:00.000-07:00

La P-Funk army étant endeuillée après le décès de Gary Shider il y a quelques semaines, on ne s’étonnera pas que le dernier concert parisien de la bande à Clinton lui soit dédié, ni que Michael Hampton entame d’emblée la soirée par un « Maggot Brain » aux accents funestes.

A ceux qui se demandaient comment l’ensemble du groupe arriverait à tenir sur la minuscule scène de l’éphémère « plage » du Glaz’art la réponse fut simple : ils n’essayèrent même pas. Le P-Funk est une grande famille, avec comme dans toutes les familles, des brouilles, des départs, de nouveaux arrivants aussi. Même amochée et amputée de nombre de ses éléments clés, elle continue bon an mal an à porter la bonne parole du groove aux quatre coins du globe. Le patriarche Clinton lui-même n’est plus qu’une ombre, fantomatique et quasi aphone, et pourtant plus que jamais sa présence fait le lien entre tous les musiciens présents, maintenant le fragile équilibre entre jam jouissive entre vétérans du funk et bordel généralisé. Ce qui n’empêche pas le Parliament-Funkadelic version 2010 de se prendre parfois les pieds dans le tapis, comme sur une version particulièrement atroce de « Red hot mama ».

Pas de quoi démotiver ni un public fidèle, resté enthousiaste malgré les trombes d’eau s’étant fréquemment abattues pendant les 3 heures de concert, ni le groupe qui aurait sans doute prolongé un peu sa prestation si l’équipe du Glaz’art n’avait fort élégamment décidé de couper les micros pour faire respecter l’heure du couvre-feu.

Même si les grandes heures du P-Funk sont clairement derrière nous, entendre ce répertoire en or massif joué en live demeure un plaisir dont il faut profiter pendant qu’il en est encore temps.

Photos (C) GH

Bootleg, le livre

2010-07-25T07:59:00.001-07:00

Les bootlegs, ou disques pirates, représentèrent pendant plusieurs décennies une véritable économie parallèle, une sorte de pendant obscur de l'industrie du disque, impliquant tout un tas de personnalités plus ou moins douteuses proposant sous le manteau aux fans de musique des enregistrements live ou des inédits de leurs groupes préférés, parfois à des prix honteusement élevés. Nombre d'artistes importants ont ainsi, en marge de leur discographie officielle, une autre plus officieuse recélant parfois des pépites inaccessibles au grand public, contribuant à entretenir leur mythe au même titre que des albums reconnus.

Alain Gaschet, qui commercialisa des bootlegs pendant des années dans l'illégalité la plus totale avant d'être rattrapé par la justice, lève un pan du voile sur cet univers mystérieux dans un livre (1) et répond à des questions que se sont posés bien des collectionneurs : d'où proviennent ces enregistrements, parfois supérieurs à ceux proposés par les maisons de disques ayant pignon sur rue ? Comment sont fabriqués ces disques ? Par quel tour de passe passe se sont-ils retrouvés en tête de gondole de certaines grandes chaines de magasins au milieu des années 90, avant que ne s'abattent les poursuites juridiques ? Bref, comme le dirait la voix off mélodramatique d'une émission de reportages sur M6 : à qui profite le business des bootlegs ?

Un business aujourd'hui moribond, en partie à cause de la répression orchestrée par les majors lassées de voir des petits malins se faire de l'argent sur leur dos, mais aussi et surtout à cause d'internet : les fans s'échangent aujourd'hui leurs rares et précieux enregistrements sur des sites spécialisés, toujours dans l'illégalité, mais gratuitement et sans engraisser des bootlegers généralement plus attirés par l'appât du gain que par l'amour de la musique.

Une lecture qui intéressera sans doute de nombreux mélomanes nostalgiques du petit parfum d'interdit qui accompagnait la traque parfois épique de tel ou tel bootleg tant convoité.

(1) "Bootleg, les flibustiers du disque" Alain Gaschet, éditions Florent Massot

Raw Power returns

2010-07-20T10:56:00.000-07:00

Le regain d'intérêt pour le support vinyl n'a pas que des bons côtés : entre la côte de l'occasion qui flambe et les bacs envahis de rééditions à la qualité souvent douteuse, l'amateur de galettes à l'ancienne à parfois quelques raisons de céder au découragement. Heureusement certains labels proposent des pressages neufs de qualité, comme les hollandais de Music On Vinyl qui ressortent avec un soin constant de nombreux titres du catalogue Sony / Columbia. Parmi leurs derniers faits d'armes, les versions remasterisées des albums de Jimi Hendrix, ou un superbe double vinyl coloré d'Alice In Chains. Ces dernières semaines ont vu la parution d'une édition sur deux disques de Raw Power, suivant de près la version CD deluxe de l'album mythique des Stooges.
Contrairement à cette dernière, l'édition Music On Vinyl fait l'impasse sur les bonus et le live, mais propose en revanche les deux versions de Raw Power, soit le controversé mix d'origine supervisé par David Bowie, et le non moins controversé remix réalisé dans les années 90 par Iggy Pop.
L'occasion de constater que la version Bowie longtemps décriée par les puristes et les Stooges eux-mêmes subit mieux l'épreuve du temps que la version Iggy; fortement compressée et fatigante à l'écoute en CD, celle-ci sonne à peine mieux en vinyl, support réputé plus "chaleureux" mais qui n'accomplit pas ici de miracle. En tout cas la qualité du pressage est impeccable et la somptueuse pochette ouvrante contient un agréable livret grand format, de quoi justifier un prix de vente un peu élevé, mais de toute façon plus raisonnable qu'un album d'époque qui vous coutera fatalement un bras si vous partez à sa recherche sur eBay.Photos : Les Stooges à l'Olympia, 07/07/2010 (C) GH

Prince, Arras, 9 Juillet 2010

2010-07-14T13:20:00.000-07:00

En Octobre dernier, les concerts au Grand Palais et à la Cigale marquaient les retrouvailles de Prince avec le public français, après une absence de 7 ans. Des concerts de haut niveau (particulièrement à la Cigale) entachés par les problèmes de santé du Kid, visiblement plus aussi "mobile" que par le passé, en raison de soucis à la hanche. Moins d'un an après, tout ceci parait déjà bien loin : le Prince qui monte sur scène à Arras en ce 9 juillet est en pleine possession de ses moyens et de toute évidence déterminé à en mettre plein la vue aux nombreux fans ayant fait le déplacement, de l'étranger pour certains.
Si la setlist ne réserve au final que peu de surprises, Prince arrive à faire du neuf avec du vieux et à transfigurer totalement des hits que l'on croyait usés jusqu'à la corde. Le groupe qui l'accompagne semble également avoir gagné en aisance depuis le Grand Palais, délivrant un groove imparable pendant 2h15.
Son apparition pendant le concert de Stevie Wonder à Bercy le 1er juillet en donnait déjà un avant-goût, Prince semble être dans une période propice aux prestations scéniques d'anthologie, et ce n'est sans doute pas fini. Cerise sur le gâteau, son nouvel album "20ten" semble convaincre même les fans déçus par sa récente production discographique...

Le jeu des 7 erreurs (2)

2010-07-14T13:09:00.000-07:00

1968 :

1994 :

Supergrass, La Cigale 12 Juin 2010

2010-07-14T12:12:00.000-07:00

Voilà, c'est fini, l'un des groupes les plus attachants de ce que l'on appela la "Britpop" jette l'éponge après 16 ans de bons et loyaux services. Supergrass a décidé de mettre fin à ses activités après un ultime série de concerts destinés à leurs fans (et peut être propices également, soyons réalistes, à la mise en boite d'un futur live posthume). Dernière étape, Paris, et si l'on pouvait logiquement s'attendre à une prestation riche en émotions, c'est de façon étonnamment sobre et dépassionnée que la formation entame son set par des titres du dernier album en date, "Diamond Hoo Ha".
Le groupe quitte ensuite la scène le temps d'un petit film nous replongeant dans l'enregistrement de son précédent opus, "Road to Rouen". Le public commence alors à cerner le principe de la soirée; Supergrass nous offre une rétrospective de toute de sa discographie à raison de quatre titres par album, en démarrant des plus récents pour remonter jusqu'au premier. Une approche maline puisque "I should coco" sorti en 1995 demeure le favori d'une partie du public; la tension montera donc progressivement tout au long du concert, la Cigale se transformant en fournaise dans la dernière partie. Après une interprétation quasi-punk de "Caught by the fuzz", leur premier single et premier morceau composé, les musiciens jettent leurs instruments à terre et regardent le public les acclamant, l'air un peu hagards, sonnés, comme s'ils venaient seulement de réaliser que c'était la dernière fois qu'ils vivaient ce genre de moment d'exception.

Photo (C) GH

Air & Jarvis Cocker, Cité de la Musique, 4 Juin 2010

2010-07-14T11:27:00.000-07:00

Air investissait la Cité de la Musique en ce mois de juin pour une série de concerts exceptionnels en compagnie de musiciens invités. Les deux moments forts de ces quatre dates furent pour moi le concert avec les Hot Rats (soit la moitié de Supergrass) pendant lesquelles les deux formations interprétèrent l'intégralité de l'album "Virgin Suicides", encore plus sombre et étouffant en live que sur disque; puis le lendemain, un concert où Air accompagnait le grand Jarvis Cocker, le temps d'un set faisant la part belle à l'album "5:55" de Charlotte Gainsbourg (sur lesquels Air et Jarvis avaient collaboré). Le tout saupoudré de titres provenant des albums de Air ou de Jarvis en solo, et divine surprise pour les nostalgiques de la Britpop, deux chansons de Pulp dont un "This is hardcore" d'anthologie. L'occasion de constater que Jarvis n'a pas perdu une once de son charisme, son jeu de scène halluciné faisant des étincelles avec Air transformé en backing band de luxe le temps d'une soirée.

Photo (C) GH

Le jeu des 7 erreurs

2010-06-20T09:34:00.000-07:00

1967 :

2010 :